Жизнь в альтернативном мире с нуля

Покупка персонажа

Покупая персонаж — вы становитесь им на 24 часа. Владение персонажем можно сравнить с косплеем, где вы полностью перевоплощаетесь в своего героя и определяете его настроение, стиль общения, интересы.

В ходе общения с участниками Вашего чата Вы можете совместно с ними создавать новые варианты развязок аниме, придумывать истории для вашего персонажа или просто общаться на интересные темы.

1. Все участники чата — реальные люди интересующиеся Вашим персонажем.

2. Среднее время ожидания участников чата с момента покупки персонажа — 20 минут.

3. В чате Вашего персонажа вам доступны дополнительные опции: удаление любых сообщений; блокировка участников чата; отправка смайлов.

4. Покупка персонажей полностью

анонимная, поэтому никто на проекте не знает, кто сейчас управляет тем или иным персонажем.

5. Вы можете покупать персонажей любого пола и возраста вне зависимости от Ваших реальных данных.

6. Вы можете одновременно покупать до 10 персонажей под своё управление.

7. По окончанию срока покупки персонажа, Вы можете выкупать его повторно, если до Вас его не выкупит кто-то другой.

Общение с персонажем

Вы находитесь на личной странице персонажа аниме. Если данный персонаж сейчас выкуплен, то Вы можете пообщаться с ним в его чате.

1. Старайтесь учитывать интересы других участников чата.

2. При отправке персонажу Ваших вопросов или сообщений, учитывайте, что он такой же человек и ему требуется время, чтобы обдумать ответ и набрать его.

3. Не дублируйте одинаковые сообщения в чат.

4. Модератор может заблокировать Ваш аккаунт, если в Ваш адрес поступят жалобы со стороны других участников чата.

5. В чате запрещается: нецензурная лексика; оскорбления в чей-либо адрес; высказывания националистического характера и другие типы сообщений, нарушающие действующее законодательство РФ.

Еще один кварк | АКАДЕМГОРОДОК

Коллаборация LHCb (CERN, Европейская организация по ядерным исследованиям), в которую входят Институт ядерной физики им. Г. И. Будкера СО РАН (ИЯФ СО РАН) и Новосибирский государственный университет (НГУ), объявила об открытии нового состояния c-кварка и анти c-кварка – частицы ψ3(1D). Экспериментальное наблюдение этой частицы позволило закрыть один из пробелов в кварковой модели. Результаты были представлены на Международном совещании по электрон-позитронным столкновениям в области энергии от Phi до Psi, которое проходит в ИЯФ СО РАН с 25 февраля по 1 марта 2019 года.

Кварковая модель – часть Стандартной модели, описывающая сильные взаимодействия. В частности, она описывает возможные состояния c-кварков и анти c-кварков (очарованных кварков и очарованных анти-кварков). Многие состояния (то есть частицы) кварковой модели уже наблюдались экспериментально, и их свойства определены с высокой точностью.

Связанным состоянием c-кварка и анти c-кварка является чармоний, самым легким из которых считается джи-пси мезон (J/ψ-мезон). С момента  открытия J/ψ-мезона (1974 г.) было обнаружено достаточно много чармониев.

«Чармонии – очень большой класс частиц, среди которых известно более 20 состояний. Но в этом классе есть и белые пятна – частицы, которые предсказываются моделью, но не наблюдаются в эксперименте. Много лет их искали, но не находили, – рассказывает сотрудник коллаборации LHCb, старший научный сотрудник Института теоретической и экспериментальной физики, кандидат физико-математических наук Иван Беляев. – Сигнал от частицы, который мы увидели, обладал удивительным свойством – он был очень узким, хотя для частиц с данной массой типичная ширина должна была быть в 10-20 раз больше. В течение полугода мы проверяли, не ошиблись ли – это первое, что должен сделать физик, когда получает такую красивую картинку. Но теперь уже точно есть повод для радости – мы увидели ту частицу, которою долгое время не удавалось обнаружить».

Новая частица ψ3(1D) была обнаружена в распаде на D0D0 и D+D-. Это стало возможно именно сейчас благодаря тому, что в эксперименте на LHCb было набрано необходимое количество статистики.

«В эксперименте LHCb отобрали набор D+D- и D0D0, и построили инвариантную массу: энергию частиц в системе центра масс. Далее при анализе спектра инвариантных масс был обнаружен сигнал при энергии 3842 МэВ с достаточно маленькой шириной», – пояснил старший научный сотрудник ИЯФ СО РАН, заведующий кафедрой физико-технической информатики ФФ НГУ, сотрудник коллаборации LHCb, кандидат физико-математических наук Павел Кроковный.

Наблюдаемая масса и узкая ширина действительно позволяют говорить об обнаружении нового состояния чармония со спином 3, которое ранее не наблюдалось ни в одном эксперименте. Однако массы и ширины недостаточно, чтобы идентифицировать частицу полностью, поэтому необходимо продолжать набор статистики.

Павел Кроковный отметил, что в физике высоких энергий принято верифицировать результаты в независимых экспериментах на других установках. Параллельно с экспериментами на LHCb, где изучаются аннигиляции при протон-протонных столкновениях, проверить вероятность рождения ψ3(1D) можно также в эксперименте Belle II в Японии, в котором происходит столкновение электронов и позитронов.

«Мы ждем, что эксперимент Belle II, в котором одну из главных ролей играет группа из Будкеровского института, не увидит ψ3(1D). Но для нас это будет положительным результатом. Дело в том, что частицы со спином 3 и не должны рождаться в эксперименте с электрон-позитронным столкновением. Ее отсутствие будет означать, что мы на LHCb видим ту самую частицу. 11 марта на Belle II будет начат набор данных на модернизированном коллайдере SuperKEKb», – добавил Иван Беляев

.

Помимо участия в международных коллаборациях LHCb и Belle II, специалисты ИЯФ СО РАН и НГУ проводят и собственные исследования в области физики элементарных частиц на ускорительных комплексах ВЭПП-2000 и ВЭПП-4М. Например, ранее на детекторе КЕДР с самой лучшей в мире точностью была измерена масса J/ψ-мезона. Кроме того, идет интенсивная работа над новым будущим проектом Супер C-Тау фабрики, который позволит вести исследования физики чармониев на качественно новом уровне.

Умер нобелевский лауреат Марри Гелл-Манн :: Общество :: РБК

Марри Гелл-Манн был автором термина «кварк» и одним из ведущих физиков XX века. В 1969 году он получил Нобелевскую премию по физике

Фото: Santa Fe Institute / Twitter

В США на 90-м году жизни умер нобелевский лауреат по физике Марри Гелл-Манн. Об этом говорится в сообщении независимого исследовательского центра Института Санта-Фе в Twitter.

Гелл-Манн закончил Йельский университет в 1948 году. В 1951 году получил докторскую премию по физике. Он внес значительный вклад в изучение физики элементарных частиц. В 1961 году он предложил новую классификацию частиц-адронов, а позднее разработал кварковую модель элементарных частиц.

Гелл-Манн считается автором термина «кварки». Этот термин он позаимствовал из романа «Поминки по Финнегану» Джеймса Джойса. В 1969 году он был удостоен Нобелевской премии «за открытия, связанные с классификацией элементарных частиц и их взаимодействий».

В 1984 году Гелл-Манн с группой других физиков основали Институт Санта-Фе.

Автор

Георгий Тадтаев

Искусство и архитектура барокко Обзор движения

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок. 1622-1625)

Художник: Питер Пауль Рубенс

На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в великолепное серебро, в сопровождении великой герцогини Тосканской и герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет. Солдат в синем плаще с золотым узором fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее.Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии в брак с королем Генрихом IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра. Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею.Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.

Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати. Беззастенчивая чувственность его полноразмерных обнаженных женщин также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенесками».«Как писал искусствовед Марк Хадсон:« Он импортировал в Северную Европу протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и твердый реализм Караваджо, соединив их в физически гигантском, чувственно перегруженном, торжествующем католическом искусстве ».

Это было одно. из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году, после убийства ее мужа Генриха IV, для создания цикла, увековечивающего ее жизнь. Она также могла быть мотивирована изображать свое законное положение как напряженность между правящими фракциями во Франции а «иностранная» королева привела к изгнанию ее из двора в 1617 году.Рубенса, самого известного художника Северной Европы, привлекли к участию в комиссии, поскольку она дала ему разрешение исследовать светский предмет, который он мог проинформировать с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал о работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в каждый момент она почти отодвигалась на задний план. Рассмотрим, например, , Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями.«

Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес, и информировали последующих художников рококо, включая Антуана Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя его пейзажи менее известны, его пейзажи также повлияли на Дж. М. У. Тернера, Джона. Констебль и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, чувственность Рубенеска сильна и глубоко пронизывает западное искусство»

5 величайших художников барокко и их работы — DailyArtMagazine.com

Рубенс, Караваджо, Веласкес, Рембрандт и Пуссен — это имена 5 величайших художников эпохи барокко XVI и XVII веков, периода, когда богатство красок и широкий спектр индивидуалистических стилей стали характеризовать искусство.

Караваджо — Вакх

Мало кто знает, что Микеланджело Караваджо, один из самых влиятельных художников эпохи барокко, при жизни был известен своим агрессивным поведением. Итальянский художник, ведущий реформатор европейского искусства XVI и XVII веков, якобы не раз в жизни совершал преступления.В возрасте 38 лет он умер при загадочных обстоятельствах в Порто Эрколе в Тоскане.

Вакх, Караваджо, 1595, Галерея-музей Уффици, Флоренция

Картина «Вакх» была написана во время пребывания Караваджо в 1595 году со своим первым покровителем, кардиналом дель Монте, и представляет собой интерпретацию Караваджо натурализма.

Рембрандт — Автопортрет с двумя кругами

Рембрандт ван Рейн, выдающийся голландский художник, родился в 1606 году на территории современной Голландии, и хотя он никогда не выезжал за границу, его работы были вдохновлены иностранными влияниями.Когда большинство людей думают о самых выдающихся художниках эпохи барокко и Золотом веке Голландии, почти всегда на ум приходит Рембрандт. Это потому, что его работа была действительно значимой. Огюст Роден однажды сказал: «Сравните меня с Рембрандтом? Какое кощунство! С Рембрандтом, колоссом искусства! Мы должны пасть ниц перед Рембрандтом и никогда никого не сравнивать с ним! »

Автопортрет с двумя кругами, Рембрандт, 1665–1668, Кенвуд Хаус, Лондон

«Автопортрет с двумя кругами» — это мистическое произведение, написанное в последние годы жизни Рембрандта и одно из его многочисленных автопортретов.

Питер Пауль Рубенс — Сад любви

Питер Пауль Рубенс, еще один из 5 величайших художников эпохи барокко, известный как «принц художников и художник принцев», был ярким фламандским великим мастером искусства, родившимся в 1577. На его работы сильно повлияли исторические и мифологические идеалы, а его уникальный стиль живописи стал ассоциироваться с Контрреформацией.

Сад любви, Питер Пауль Рубенс, 1630–1631, Музей Прадо, Мадрид

«Сад любви» был символом любви для его второй жены, молодой и красивой Хелены Фурман.На картине изображена сцена флирта в утопическом саду, наполненном элементами эпохи Возрождения.

Диего Веласкес — Венера-дель-Эспехо, «Рокби-Венера»

Один из 5 величайших художников эпохи барокко, упомянутых в моей статье, — Диего Веласкес, олицетворяющий золотой век Испании. Он также был одним из лучших портретистов своего времени. Веласкес был знаком с итальянским искусством; поэтому его вдохновение изначально исходило от таких художников, как Рафаэль и Микеланджело. Позже его работы вдохновляли реалистов и импрессионистов.

Рокби-Венера, Диего Веласкес, 1647–1651, Национальная галерея, Лондон

Католическая церковь подвергала резкой критике картину «Рокби-Венера», однако это единственное сохранившееся полотно Веласкеса, изображающее наготу.

Николя Пуссен — Пейзаж со спокойствием

Этот художник эпохи классического барокко, основатель французской классической традиции, часто описывается как воплощающий противоположные черты Караваджо, и в этом есть доля правды.Его картины были спокойными, логичными и в то же время проникнутыми философскими размышлениями. Работы Пуссена оказали огромное влияние на историю искусства и вдохновили многих более поздних художников, таких как Пабло Пикассо или Поль Сезанн.

Пейзаж со спокойствием, Пуссен, 1650–1651, Музей Гетти, Лос-Анджелес

«Пейзаж со спокойствием» — это образ безмолвного спокойствия. Картина не рассказывает нам историю, а пробуждает наше воображение.

Если вы находите радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

«Царства света: Барокко» (ключ ответа)

Это тот же видео-лист, который есть у вас в пакете курса. Попробуйте сами ответить на вопросы, прежде чем искать ответ. Вам следует уметь ответить на большинство из них, основываясь на своих лекциях и прочитанных материалах. Чтобы увидеть ответ, щелкните всплывающее меню.

Искусство западного мира: «Царства» света: Барокко »

1.В какой город стекались художники во время Контрреформации для проектирования и украшать церкви?

A) Болонья.

Б) Рим.

C) Толедо.

Г) Москва.

1. Ответить Б.

2. Как называется художественный стиль, отражающий оптимизм и напористость церкви 17 века?

А) Раннее Возрождение.

Б) Высокое Возрождение.

C) Барокко.

D) Рококо.

2. Ответить С.

3. На потолочной фреске Пьетро да Кортона для дворца Барберини в Рим, какие насекомые представляют семью Папы Урбана VIII (Барберини)?

А) Кузнечики.

Б) Пчелы.

C) Мухи.

D) Комары.

3. Ответить Б.

4.Какова одна из причин того, что Караваджо всегда скрывался от полиция?

А) Он не платил налоги.

B) Его скульптуры считались непристойными.

C) Он украл немного краски, чтобы завершить комиссию.

D) Он убил человека в Риме.

4. Ответить Д.

5. Почему Караваджо восстал против идеализированных изображений религиозного фигуры и вместо этого основывать своих святых и девственников на обычных людях?

А) Он хотел сделать зрителя участником.

Б) Втайне он был атеистом и хотел поставить Церковь в неловкое положение.

C) Он обнаружил, что дешевле нанимать обычных людей в качестве моделей, чем дорогие «идеализированные» модели.

D) Он был очень уродливым человеком, ненавидящим «красоту».

5. Ответить А.

6. С какой точки зрения мы рассматриваем преобразование Караваджо церкви Св. Пол ?

A) С точки зрения Бога, сверху.

Б) С точки зрения человека, преклоняющего колени в молитве.

C) С точки зрения лошади Павла.

D) С точки зрения Святого Петра, который находится за пределами картины.

6. Ответить Б.

7. В какое произведение искусства Караваджо использовал свой автопортрет?

A) Страшный суд .

B) Афинская школа .

C) Призвание св.Матфея .

D) Давид и Голиаф .

7. Ответить Д.

8. В какое произведение искусства Джанлоренцо Бернини включил свой автопортрет?

A) Моисей .

Б) Давид .

C) Экстаз Святой Терезы .

D) Мона Лиза .

8. Ответить Б.

9.Какой элемент барокко прослеживается в произведении Джанлоренцо Бернини «Давид »?

A) Агрессивные движения.

B) Уравновешенная, симметричная композиция.

C) Спокойная, тихая, достойная фигура.

D) Яркие, живые цвета.

9. Ответить А.

10. Какое произведение искусства или архитектуры в Риме воплощало идею барокко? что искусство было больше не только для избранных, но для всех?

A) Потолок Сикстинской капеллы.

Б) Микеланджело Давид .

C) Купол Микеланджело собора Святого Петра.

D) «Распространенные объятия» портика перед собором Святого Петра.

10. Ответить Д.

11. Как называется знаменитая скульптура Бернини в Корнаро семейная часовня, изображающая святого, которого только что пронзил ангельский стрелка?

A) Амур и его любовник .

B) Экстаз Святой Терезы .

C) Св. Себастьяна .

D) Лучник Господа .

11. Ответить Б.

12. Кто был известным архитектором в стиле барокко, чьи здания кажутся живыми? и пульсирует, показывая тем самым любовь к движению в стиле барокко?

A) Леоне Баттиста Альберти.

B) Филиппо Брунеллески.

C) Франческо Борромини.

D) Донато Браманте.

12. Ответить С.

13. В каких странах распространилась архитектура барокко после ее зарождения в Риме?

A) Германия и Австрия.

B) Англия и Ирландия.

C) Греция и Турция.

D) Египет и Израиль.

13. Ответить А.

14. В эпоху барокко короли требовали от придворных художников передавать __________ правителя.

A) Улыбающееся лицо.

Б) Божественное право на власть.

C) Длинные волосы.

D) Много жен.

14. Ответить Б.

15. На его религиозных картинах для католической церкви контрреформации, Питер Пауль Рубенс пытается __________.

А) Покажите, что он художник лучше Микеланджело.

Б) Покажите, что католическая церковь зла и коррумпирована.

C) Вдохновить веру в зрителя и отвлечь его от повседневной жизни. Мир.

D) Вдохновите зрителя присоединиться к иудейской вере.

15. Ответить С.

16. Питер Пауль Рубенс был __________.

А) Самый собранный художник своего времени.

B) Итальянский художник.

C) Сумасшедший, который работал один и никогда не продавал картины.

D) Один из трех мушкетеров.

16. Ответить А.

17. Художник Диего Веласкес привлек внимание Испанский двор его обычными сценами повседневной жизни. Эти виды картин известны как __________.

А) Портреты.

Б) Жанровые картины.

C) Исторические картины.

D) Фрески.

17. Ответить Б.

18.Какая картина Веласкеса, вероятно, дает нам неформальный заглянуть в рабочую среду художника?

A) Экстаз Веласкеса .

B) Водный перевозчик Севильи .

C) Рабочая среда Веласкеса .

D) Las Meninas (титул Янсона: The Maids of Honor ).

18. Ответить Д.

19.В книге Диего Веласкеса The Maids of Honor , которые являются две фигуры, чьи отражения находятся в зеркале на задней стене?

A) Король и королева Испании.

B) Родители Веласкеса.

C) Помощники художника.

D) Богородица с младенцем.

19. Ответить А.

20. В Нидерландах, почему произошло внезапное увеличение производство и потребление искусства в период барокко?

A) Впервые иностранные короли купили голландское искусство.

B) Католическая церковь впервые заказала искусство.

C) Впервые обычные люди купили арт.

D) Впервые искусство не имело интеллектуальной основы.

20. Ответить С.

21. Живопись голландского жанра — это не просто изображения повседневной жизни, они передают сообщение. Правда или ложь?

21. Ответить Истинный.

22.Рембрандт известен, среди прочего, своими многочисленными __________.

А) Портреты королей.

Б) Автопортреты.

C) Пейзажи.

D) Сцены сельскохозяйственных животных.

22. Ответить Б.

23. Рембрандт иногда использовал свой ________ для манипулирования густой краской. на его полотнах.

A) Ноги.

B) Серебро.

C) Пальцы.

D) Стык.
23. Ответить С.

[Вверх страницы]

Изучение богато украшенного искусства и архитектуры барокко

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

На протяжении 17-18 веков европейские художники и архитекторы перенимали все более сложный стиль.Этот подход, известный как Baroque , отличается изысканной, неповторимой эстетикой, которая пробуждает воздушность и направлена ​​на то, чтобы внушить благоговение.

Сегодня период барокко остается одним из самых знаменитых культурных движений в истории западного искусства. Здесь мы рассмотрим этот яркий стиль, исследуя историю и эволюцию его яркого искусства и архитектуры.

Каким был период барокко?

Названный в честь barroco , португальский термин для обозначения жемчужины неправильной формы, период барокко определяется величием и богатством его искусства и архитектуры.Укоренившись в Риме, движение распространилось по Италии и другим странам Европы между 1600 и 1750 годами, став особенно популярным во Франции, Испании и Австрии.

Николя Пуссен, «Вакханское пиршество перед статуей Пана» (ок. 1632–1633) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons Public Domain)

Поскольку период барокко совпал с итальянским Возрождением, неудивительно, что эти два движения имели некоторое стилистическое сходство. Художники как барокко, так и эпохи Возрождения использовали реализм, богатый цвет и религиозные или мифологические сюжеты, в то время как архитекторы, работающие в обоих стилях, предпочитали баланс и симметрию.Однако то, что отличает стиль барокко от его аналога эпохи Возрождения, — это его экстравагантность — характерная черта, очевидная как в его искусстве, так и в архитектуре.

Искусство барокко

Живопись

Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма .

В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт, интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.

Караваджо, «Призвание святого Матфея» (ок. 1599 или 1600) (Фото: Ибиблио через Wikimedia Commons Public Domain)

Рембрандт, «Ночной дозор» (1642 г.) (Фото: Государственный музей через Wikimedia Commons Public Domain)

Художники эпохи барокко, такие как Джентилески, Пуссен и Рубенс, достигли обостренного чувства драмы через движение. Часто эта динамичная иконография была вдохновлена ​​сказками из Библии и историями из древней мифологии.

Джентилески, «Давид и Голиаф» (ок.1605-1607) (Фото: через Wikimedia Commons Public Domain)

Помимо энергичных композиций, Рубенс запечатлел драматизм в своей богатой и сияющей цветовой палитре. «Рубенс избегал живописи таким образом, что цвет впитывался. Светящаяся ясность его работ была доказательством превосходства его техники», — объясняет художник Макс Дорнер в книге «Материалы художника и их использование в живописи ». «В его цветах было столько яркости и связующей среды, что, как и в картинах Ван Эйка, они обладали блеском, и их не нужно было покрывать лаком.”

Питер Пауль Рубенс, Самсон и Далила (ок. 1609–1610) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons Public Domain)

Скульптура

Фигурные скульптуры из бронзы и мрамора, созданные в этот период, демонстрируют интерес к динамизму . Скульпторы, такие как Бернини, пробуждали движение за счет завихрения силуэтов, скрученных контуров и плавной драпировки. Добавленные элементы, такие как водные арматуры, часто усиливали этот театральный подход.

Бернини, «Аполлон и Дафна» (1622–1625)

Подобно статуям эпохи Возрождения, в том числе культовому изображению Микеланджело Давида , скульптуры в стиле барокко часто предназначались для украшения величественных зданий. Они также были заказаны для других грандиозных декораций, таких как позолоченные церковные интерьеры и королевские сады.

Бернини, «Экстаз Святой Терезы» (1647–1652)

Шарль Лебрен, Фонтан Аполлона в садах Версаля (1668–1671)

Искусство, архитектура и театр в эпоху барокко

Петер Пауль Рубенс «Встреча Марии Медичи и Генриха IV в Лионе», ок.1623.

Живопись

Определяющим утверждением того, что барокко означает в живописи, является серия картин (одна из которых приведена выше), выполненных Питером Полем Рубенсом для Марии Медичи в Люксембургском дворце в Париже (ныне в Лувре), в которых Католический художник удовлетворил католического покровителя: концепции монархии эпохи барокко, иконография, обработка красок и композиций, а также изображение пространства и движения.

Караваджо, Терновый венец

Стиль

Барокко отличался «преувеличенным освещением, сильными эмоциями, освобождением от сдержанности и даже своего рода артистической сенсационностью.«Искусство барокко на самом деле не отражало образ жизни людей того времени; однако, «тесно связанный с Контрреформацией, этот стиль мелодраматически подтвердил эмоциональную глубину католической веры и прославил как церковь, так и монархию» их силы и влияния.

В итальянской живописи барокко было очень много разных направлений, от Караваджо до Кортоны; оба приближаются к эмоциональному динамизму с разными стилями.

Еще одно часто упоминаемое произведение искусства барокко — это работа Бернини «Святая Тереза ​​в экстазе » для часовни Корнаро в Санта-Мария-делла-Виттория, которая объединяет архитектуру, скульптуру и театр в одно грандиозное понятие.

Натюрморт Хозефы де Обидуш, ок. 1679, Сантарен, Португалия, Муниципальная библиотека

Поздний стиль барокко постепенно уступил место более декоративному рококо.

Совсем другое искусство развилось из северных реалистических традиций в голландской живописи Золотого века семнадцатого века, в которой было очень мало религиозного искусства и мало исторической живописи, вместо этого играющая решающую роль в развитии светских жанров, таких как натюрморты, жанровые картины повседневного обихода. сюжеты и пейзажная живопись.Хотя барочный характер искусства Рембрандта очевиден, этот ярлык реже используется для Вермеера и многих других голландских художников. Фламандская живопись в стиле барокко разделяет эту тенденцию, продолжая при этом создавать традиционные категории.

Точно так же французский классический стиль живописи, представленный Пуссеном, часто классифицируется как барокко, и он обладает многими качествами итальянской живописи того же периода, хотя уравновешенность и сдержанность, вытекающие из следования классическим идеям, обычно придают ему совсем другие черты. общее настроение.

Скульптура

В скульптуре барокко группы фигур приобрели новое значение, и возникло динамическое движение и энергия человеческих форм — они вращались вокруг пустого центрального водоворота или выходили наружу в окружающее пространство. Впервые скульптура в стиле барокко часто имела несколько идеальных углов обзора. В характерную скульптуру в стиле барокко добавлены экстра-скульптурные элементы, например, скрытое освещение или фонтаны. Алейжадиньо в Бразилии также был одним из величайших имен скульптуры в стиле барокко, и его главная работа — это набор статуй Santuário de Bom Jesus de Matosinhos в Конгоньясе.Скульптуры ветхозаветных пророков из мыльного камня вокруг террасы считаются одними из лучших его работ.

Станислав Костка на смертном одре — Пьер Ле Гро Младший

Архитектура, скульптура и фонтаны Бернини (1598–1680) придают ярко выраженные черты стиля барокко. Бернини, несомненно, был самым важным скульптором периода барокко. Он подошел к Микеланджело в его всесторонней компетентности: Бернини лепил, работал архитектором, рисовал, писал пьесы и ставил спектакли.В конце 20-го века Бернини больше всего ценился за его скульптуру, как за его виртуозную резьбу по мрамору, так и за его способность создавать фигуры, сочетающие в себе физическое и духовное. Он также был прекрасным скульптором бюстовых портретов, пользующихся большим спросом среди влиятельных людей.

Капелла Бернини Корнаро

Хорошим примером барочного творчества Бернини является его Св. Тереза ​​в экстазе (1645–1652 гг.), Созданный для капеллы Корнаро церкви Санта-Мария-делла-Виттория в Риме.Бернини спроектировал всю часовню, дополнительное пространство вдоль церкви, для семьи Корнаро.

«Экстаз св. Терезы» Бернини

Святая Тереза, центральная часть часовни, представляет собой статую из мягкого белого мрамора, окруженную архитектурным обрамлением из полихромного мрамора. Эта конструкция скрывает окно, которое освещает статую сверху. Фигурные группы семьи Корнаро, выполненные в виде неглубокого рельефа, обитают в оперных ложах на двух боковых стенах часовни. Обстановка помещает зрителя в качестве зрителя перед статуей, а семья Корнаро высовывается из своих лож и вытягивается вперед, чтобы увидеть мистический экстаз святого.

Св. Тереза ​​в высшей степени идеализирована и находится в воображаемой обстановке. Она была популярной святой католической Реформации. Она написала о своих мистических переживаниях перед монахинями своего ордена кармелитов; эти сочинения стали популярными среди мирян, интересующихся духовностью. В своих произведениях она описывала любовь к Богу, как горящую стрелу, пронзающую ее сердце. Бернини материализует это, помещая святую Терезу на задницу, в то время как фигура Купидона держит золотую стрелу из металла и улыбается ей.Ангельская фигура не собирается вонзить стрелу ей в сердце — скорее, он забрал ее. Лицо Святой Терезы отражает не ожидание экстаза, а ее текущее удовлетворение.

Это произведение широко считается шедевром барокко, хотя сочетание религиозных и эротических образов (верных собственному письменному описанию Святой Терезы) может вызвать удивление у современников. Однако Бернини был набожным католиком и не пытался высмеивать опыт целомудренной монахини. Скорее, он стремился изобразить религиозный опыт как очень физический.Тереза ​​описала свою телесную реакцию на духовное просветление на языке экстаза, используемом многими мистиками, и описание Бернини является серьезным.

Семья Корнаро скрытно рекламирует себя в этой часовне; они представлены визуально, но размещены по бокам часовни, наблюдая за происходящим с балконов. Как в оперном театре, Корнаро занимают привилегированное положение по отношению к зрителю, в своем частном заповеднике, ближе к святому; тем не менее, у зрителя есть лучший обзор спереди.Они называют часовню своим именем, но в центре внимания находится Святая Тереза. Это частная часовня в том смысле, что никто не мог совершить мессу на алтаре под статуей (в семнадцатом веке и, вероятно, вплоть до девятнадцатого) без разрешения семьи, но единственное, что отделяет зрителя от изображения, — это то, что алтарь перила. Спектакль является одновременно демонстрацией мистики и предметом семейной гордости.

Архитектура

В архитектуре барокко новый акцент был сделан на смелые массивы, колоннады, купола, светотени ( кьяроскуро, ), «живописные» цветовые эффекты и смелую игру объема и пустоты.В интерьерах движение в стиле барокко вокруг и через пустоту информировало монументальные лестницы, не имевшие аналогов в предыдущей архитектуре. Другим нововведением в стиле барокко в мирских интерьерах были государственные апартаменты, череда все более богатых интерьеров, кульминацией которых стала комната присутствия, тронный зал или парадная спальня. Последовательность монументальных лестниц, за которыми следовала парадная квартира, копировалась в меньшем масштабе повсюду в аристократических жилищах любых притязаний.

Архитектура барокко была с энтузиазмом воспринята в центральной Германии (см.г., Людвигсбургский дворец и Цвингер, Дрезден), Австрии и России (см., например, Петергоф). В Англии кульминация архитектуры барокко была воплощена в творчестве сэра Кристофера Рена, сэра Джона Ванбру и Николаса Хоксмура, начиная с ок. С 1660 по ок. 1725. Много примеров архитектуры барокко и градостроительства можно найти в других европейских городах и в Латинской Америке. Градостроительство этого периода было связано с лучевыми аллеями, пересекающимися площадями, которые были взяты из планов садов в стиле барокко. На Сицилии в стиле барокко появились новые формы и темы, например, в базилике Сан-Себастьяно в Ното, Рагуза и Ачиреале.”

Дворец Августусбург недалеко от Кельна

Фонтан Треви в Риме

Вилянувский дворец в Варшаве

Интерьер часовни Корнаро, церковь Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, включая портреты Корнаро, но без нижних частей часовни.

Еще один пример архитектуры барокко — собор Морелии, штат Мичоакан, Мексика. Построенный в семнадцатом веке Винченцо Баррочио, он является одним из многих соборов в стиле барокко в Мексике.Церкви в стиле барокко также можно увидеть на Филиппинах, которые были построены в период Испании.

Фрэнсис Чинг описал архитектуру барокко как «стиль архитектуры, зародившийся в Италии в начале семнадцатого века и широко распространенный в Европе и Новом Свете в течение полутора веков, характеризующийся свободным и скульптурным использованием классических порядков и орнамента, динамичного противостояние и взаимопроникновение пространств, а также драматические комбинированные эффекты архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства.”

Театр

Картина XVIII века Королевского театра Турина

В театре изощренное тщеславие, множественность сюжетных поворотов и разнообразие ситуаций, характерных для маньеризма, например в трагедиях Шекспира, уступили место опере, которая объединила все искусства в единое целое.

Театр возник в эпоху барокко и стал мультимедийным опытом, начиная с реального архитектурного пространства. Фактически, большая часть технологий, используемых в нынешних бродвейских или коммерческих пьесах, была изобретена и разработана в ту эпоху.Сцена могла за считанные секунды превратиться из романтического сада в интерьер дворца. Все пространство стало выделенной областью в рамке, которая позволяет пользователям видеть только определенное действие, скрывая все механизмы и технологии — в основном канаты и шкивы.

Эта технология повлияла на содержание рассказываемых или исполняемых произведений, максимально используя решение Deus ex Machina. Боги наконец смогли спуститься — буквально — с небес и спасти героя в самых экстремальных и опасных, даже абсурдных ситуациях.

Также был создан термин Theatrum Mundi — мир есть сцена. Социальной и политической сферой в реальном мире манипулируют точно так же, как актер и машины представляют / ограничивают то, что представлено на сцене, выборочно скрывая все механизмы, которые заставляют действия происходить.

Фильмы Ватель и Фаринелли дают хорошее представление о стиле постановок периода барокко. Американский музыкант Уильям Кристи и Les Arts Florissants провели обширное исследование всей французской оперы в стиле барокко, исполнив произведения Шарпантье и Люлли, среди прочих, которые чрезвычайно верны оригинальным творениям семнадцатого века.

Англия

Влияние эпохи Возрождения в Англии также наступило очень поздно, и барочный театр лишь отчасти полезен здесь, например, при обсуждении комедии Реставрации. Был восемнадцатилетний перерыв, когда лондонские театры были закрыты во время гражданской войны в Англии и Британского Содружества до восстановления Карла II в 1660 году.

Германия

Немецкому театру семнадцатого века не хватало значительных достижений. Самым известным драматургом был Андреас Крипиус, который использовал иезуитскую модель голландского Йоста ван ден Вондела и Корниеля.Был еще Иоганнес Фельтен, соединивший традиции английских комиков и комедии дель арте с классическим театром Корнеля и Мольера. Его гастрольная компания была, пожалуй, самой значительной и важной в семнадцатом веке.

Испания

Барокко в Испании имело католический и консервативный характер, следуя итальянским литературным образцам эпохи Возрождения. Театр латиноамериканского барокко был нацелен на общественное содержание с идеальной реальностью, которая проявляла три основных чувства: католическую религию, монархическую и национальную гордость и честь, происходящие из рыцарского, рыцарского мира.

В испанском театре в стиле барокко известны два периода. Разделение между ними было подчеркнуто в 1630 году; первый период состоит из главного представителя, которым является Лопе де Вега, а также Тирсо де Молина, Гаспар де Агилар, Гильен де Кастро, Антонио Мира де Амескуа, Луис Велес де Гевара, Хуан Руис де Аларкон, Диего Хименес де Энсизо, Луис Бельмонте. Бермудес, Фелипе Годинес, Луис Киньонес де Бенавенте или Хуан Перес де Монтальбан; и во втором периоде Кальдерон де ла Барка и другие авторы пьес Антонио Уртадо де Мендоса, Альваро Кубильо де Арагон, Херонимо де Кансер-и-Веласко, Франсиско де Рохас Соррилья, Хуан де Матос Фрагозо, Антонио Коэльо-и-Очоа, Агустин де Морето или Bances Candamo.Можно говорить о произвольной классификации, потому что каждый автор шел своим путем и иногда мог придерживаться формулы, установленной Лопе. Возможно, «манера» Лопе была более либеральной и структурированной, чем у Кальдерона.

Феликс Лопе де Вега и Карпио представил в своей Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) новую комедию . Он установил новую драматическую формулу, которая сломала три аристотелевских единства итальянской поэтической школы (действие, время и место) и четвертое единство Аристотеля, которое касается стиля, смешения трагических и комических элементов, показывающих разные типы стихов и строф на что представлено.Хотя Лопе обладает прекрасными познаниями в области пластических искусств, большую часть своей карьеры он не использовал их ни в театре, ни в сценографии. В комедии Лопе визуальным аспектам театрального представления отводится вторая роль.

Тирсо де Молина вместе с Лопе де Вега и Каледроном были одними из самых важных авторов пьес в Испании в золотую эру. Их работы, известные своим тонким интеллектом и глубоким пониманием человечности, можно считать мостом между примитивной комедией Лопе и более сложной комедией Кальдерона.Хотя часть критиков утверждала, что их сочинения показывают, что Тирсо де Молина известен двумя безупречными работами: «Осужденные подозрения» и «Севильский обманщик», главными источниками мифа о Дон Жуане.

По прибытии в Мадрид Косме Лотти представил испанскому двору самые передовые театральные приемы Европы. Его методы и знания в области механики применялись на дворцовых выставках под названием «Фиесты» и на роскошных выставках рек или искусственных фонтанов под названием «Наумакиас».Он отвечал за оформление садов Буэн-Ретиро, Сарсуэлы и Аранхуэса, а также за строительство театрального здания Колизео-дель-Буэн-Ретиро. Формулы Лопе начинаются со стиха о том, что это не соответствует фундаменту дворцового театра и рождению новых концепций, с которых началась карьера некоторых авторов пьес, таких как Педро Кальдерон де ла Барка. Отмечая основные нововведения Новой Лопезианской комедии, стиль Кальдерона отличался множеством различий, с большой конструктивной заботой и вниманием к его внутренней структуре.Работы Кальдерона выполнены в формальном совершенстве и имеют очень лиричный и символический язык. Свобода, жизнеспособность и открытость Лопе дали толчок интеллектуальной рефлексии и формальной точности Кальдерона. В его комедии он отразил его идеологические и доктринные намерения над страстью и действием, работа Auto Sacramentales достигла высоких позиций. Жанр комедии политический, мультихудожественный и в некотором смысле гибридный. Поэтический текст, переплетенный с медиа и ресурсами, происходящими из архитектуры, музыки и живописи, освобождая обман, который есть в комедии Лопеса, был составлен из-за отсутствия декораций и вовлечения диалога действий.

Почему мастер барокко Артемизия Джентилески рисовала жестоких и напористых женщин

Первая известная работа Артемизии Джентилески (которую некоторые ученые приписывают отчасти ее отцу) была написана в 1610 году, когда ей было 17 лет. Работа под названием Сусанна и старейшины изображает библейскую историю, в которой группа развратных старейшин смотрит на прекрасную набожную жену, когда она купается. Хотя в то время это не было редкостью для художников, Джентилески интерпретировал ее иначе, чем большинство других.По ее версии, агрессия — и ее реакция при обнаружении, что за ней наблюдают — занимает центральное место. «Сусанна Артемизии представляет нам редкий в искусстве образ трехмерного героического женского персонажа», — пояснила биограф Джентилески Мэри Д. Гаррард. В отличие от других представлений, «выразительное ядро ​​картины Джентилески — это бедственное положение героини, а не ожидаемое удовольствие злодеев», — продолжил Гаррард.

Ранние работы, подобные этой, раскрывают мастерство Джентилески в обнаженной натуре и мимике, что положило начало ее репутации в Риме как художника-вундеркинда.(Некоторые ученые отметили, что Орацио применил проблемный подход к продвижению работ своей дочери, по сути экзотизируя ее, подчеркнув, что она была художницей , а не просто художницей.)

Но интерес к Джентилески скоро исчезнет с нее. искусство и вместо этого к обсуждению ее тела и морали, после того, как ее изнасиловал и лишил девственности ее учитель рисования, Агостино Тасси, который также был деловым партнером ее отца. По словам Джентилески, Тасси схватил ее, когда она работала над холстом, и крикнул: «Не столько живопись, не столько живопись.Действия Тасси, казалось, были обусловлены смесью ревности, похоти и желания одолеть молодую женщину. «Это как если бы он был так взбешен ее работой, как и воспламенен плотской похотью: отстранение ее от работы было первым шагом в его попытке доминировать над ней», — предположил Кроппер в своем эссе.

Последовал очень публичный и неоднозначный процесс, в ходе которого Джентилески был вынужден подробно описать свое нападение. Во время испытания она была подвергнута sibille, процессу, в ходе которого веревки привязывались к ее пальцам и постепенно затягивались.Практика была предназначена для того, чтобы угадать, говорит ли она правду. После семи месяцев в суде судья наконец вынес решение в пользу Джентилески. Тасси приговорили к пяти годам тюремного заключения, но так и не отбыли срок.

Решение помогло сохранить репутацию Джентилески как благородной женщины и обеспечить брак с флорентийцем по имени Пьерантонио Стиаттеси. Это было необходимо в Италии 17-го века (общество, управляемое католической церковью), чтобы обеспечить ее будущее как успешную художницу.

Барокко и классицизм — французское искусство 17-18 веков

About-France.com — тематический справочник по Франция

► Вы здесь: Франция ›

Барокко и рококо

Арт во Франции -: 1590 — 1790

От классический от барокко до французского рококо

Джордж де Латур — Игроки в кости — Музей Престон Холла — Стоктон К К концу XVI века французское Возрождение подошло к конец, когда писатели, мыслители, художники и архитекторы двинулись дальше, чтобы исследовать новые горизонты.Как и в эпоху Возрождения, новые направления во французском искусстве изначально были вдохновлены тем, что происходило в Италии. Здесь новаторский художники давно отошли от натурализма Высокого Возрождения. искусство, сначала в более преувеличенный стиль, известный как маньеризм, как представлен в работах Бронзино или Тинторетто, а затем конец 16 века к новому типу эксцентричного классицизма, который позднее получило название «искусство барокко».
Барокко не было отходом от Возрождения классицизм, это было развитие.В то время, художников и архитекторов, которых мы сегодня считаем мастерами Искусство итальянского барокко рассматривало себя как живопись и работало в новом фаза классицизма, подчеркивающая эмоции, опасения, движение и жизненная сила. Барокко было новым классицизмом, преувеличенным интенсивный свет и тень, драматические перспективы, а иногда и чрезмерное использование цвет.
Взгляд на искусство барокко как на смену классицизма иногда требуется прыжок веры, когда кто-то смотрит на дела из великие художники эпохи барокко Италии, Фландрии или Испании — такие как Караваджо, Рубенс или Сурбаран.Напротив, большая часть французского барокко вообще более четко классический, с меньшим излиянием, наблюдаемым в другие части Европы, оставаясь более «классическими» и покоренными в своем развитие идиомы искусства эпохи Возрождения.
Прилагательное «барокко» даже кажется неуместным, когда его используют Опишите работы некоторых из величайших французских художников семнадцатого века века, особенно Клода Лоррена и Николя Пуссена; но сидит хорошо с двумя выдающимися художниками, современниками Караваджо, Жорж де Латур и Филипп де Шампень.
Когда-то названный «французским Караваджо», Латур (1593-1652) родом из Лотарингии, специализируется на картинах, в основном небольших полотнах, показывающих интимные сцены при свечах с интенсивным светом и тенью. Напротив, Филипп де Шампень, родившийся в Брюсселе в 1602 году, работал на протяжении большей части его жизнь в Париже, где ему приходилось писать много крупных религиозных картины, а также портреты, в том числе несколько кардиналов Мазарини. Его картины на религиозные темы, особенно когда они касаются смерть показать всю интенсивность эмоция, характерная для искусства барокко.

Николя Пуссен — Святое семейство со святой Елизаветой И Иоанна
Креститель — Санкт-Петербург — Эрмитаж Среди французских художников первой половины 17 в. век тот, с чьими произведениями довольно легко ассоциируется слово барокко был Николя Пуссен. Рожден в В Нормандии в 1593 году Пуссен молодым художником приехал в Париж, где он работал несколько лет, прежде чем переехать в Рим в 1624 году и остаться там на всю оставшуюся жизнь. Он был довольно плодовитым художником, черпая вдохновение из великих религиозных и классических темы, которую он интерпретировал в грандиозном, но интимном стиле, менее расплывчатом, чем произведения его великих итальянских современников, менее оторванных от стиль Высокого Возрождения.
Пуссен разработал свои собственные теории живописи, особенно его представление о величии маньер мнение о том, что произведение искусства должно рассказывать историю самым ясным образом возможный способ, не запутывая проблему слишком сильно отвлекая деталь. Таким образом, его искусство отличается от Основной поток искусство барокко, в котором обилие деталей часто отвлекает из основной темы.
Современник Пуссена, Клод Лоррен (1600-1682), был совсем другим художником, чьи работы должны были вдохновить многих художников-неоклассиков.Для записи, полезно понимать, что Клод Лоррен подпадает под несколько разные имена: родился в 1600 году в Лотарингии и известен от рождения как Клод Гелле, он стал известен в мире искусства просто как Клод, или Клод ле Лоррен (Клод из Лотарингии). По-французски его часто называют Ле Лорреном.

Клод Лоррен — Пасторальная сцена с классическими руинами. Гренобль — Музей изящных искусств Как и Пуссен, Клод Лоррен большую часть жизни работал в Рим, где он специализировался на воображаемых сценах из классической мифологии. и история.В каком-то смысле он был первым великим французским пейзажистом. художник, убирая элемент пейзажа с фона, где он был основным, но второстепенным элементом в творчестве многих эпохи Возрождения. художников, превратив его в доминирующий элемент живописи. Таким образом, картины Лоррена отходят от традиций, поскольку изображения людей или событий в случайном пейзаже, но картины с пейзажами или морскими пейзажами, которые служат декорациями для идеализированное изображение случайной истории или события, взятого из библейский репертуар или из классической мифологии.Лоррена почти мистическое изображение идеализированных классических итальянских пейзажей должно было вдохновляют многих художников не только во Франции — таких как Орас Верне или Хьюберта Роберта — но также в Англии и других частях Европы для следующие сто пятьдесят лет
С двумя величайшими Французские художники своего времени работали в Риме, меценаты в Франция ищу портреты или произведения искусства для церквей, часовен и замки пользовались услугами большого количества малоизвестных художники, часто рисующие со значительным мастерством, но как последователи, а не новаторы, в области искусства.Стоят два имени из остальных — Шарль Лебрен и Гиацинт Риго.
Шарль Ле Брун (1619 — 1690), учившийся в Риме у Пуссена, считался Король Людовик XIV был величайшим французским художником всех времен и заказанные им для монументальных работ и потолков в его дворцах на Лувр и Версаль. Ле Брен также работал на других покровители на проектах в различных замках, таких как Vaux le Vicomte, куда его работы можно увидеть и сегодня.
Ле Брен тоже был одним из ключевых участников борьбы за официальное признание лучших художников Франции, идея, которая в конечном итоге привела короля Людовика XIV к основал в январе 1848 г. первую Французскую Королевскую академию живописи и скульптура.С тех пор величайшие художники страны получить официальное признание, сделав Академию официальный арбитр хорошего искусства.
Гиацинт Риго (1659 — 1743) был великим портретистом Великого Сикля, и портреты, написанные им во второй половине 17 века определили способ, которым люди видят или представляют себе великое и знаменитый, который тяготел к Солнцу в этот период абсолютистская монархия во Франции.
Влияние Людовик XIV об искусстве в его время нельзя недооценивать.Если второй Часть XVII века не была периодом больших инноваций во французском языке. искусства, это было в немалой степени из-за роли, сыгранной Королем и его суд как арбитров моды, стиля и искусства. Художники, пожелавшие пробиться в жизни, зная, что для этого они должны следовать в путь Лебрена или Риго, рисование портретов для богатых и украшать свои дома и церкви богато украшенными полотнами и фрески в стиле эпохи. Так было только в начале 18-го века, когда все стало меняться.
Предвестником перемен был Антуан Ватто (1684 г. — 1721). Родился в Валансьене, городе на границе с Фландрией, Ватто впервые нашел работу в качестве художника в Париже, рисуя копии Фламандские жанровые картины для буржуазных заказчиков. Позже он стал Самостоятельный жанровый художник, специализирующийся на театральных сценах. Его изображения постановочных деревенских сцен сильно отличаются от деревенских сцены, написанные Клодом Лорреном; и пока элемент ландшафта остается важным в творчестве Ватто, именно люди являются главными предмет.С Ватто французское искусство начало переход от величия искусство барокко в сторону меньшего масштаба и более интимного стиля, известного как рококо.
Современник Ватто и другой жанр Художником, хотя и не принадлежащим к тому же жанру, был Жан Симеон Шарден. (1699 — 1779). На Шардена сильно повлияла голландская жанровая живопись. которые стали популярными по всей Европе, поскольку новый средний класс и расширяющаяся аристократия искала и заказывала произведения искусства для украсить свои дома. Искусство Шардена — это ни барокко, ни рококо, ни классический; он перекликается с работами таких художников, как Вермеер или Питер де Hooch, черпая вдохновение в Северной Европе, а не в Италии, из повседневная жизнь и обычные люди, а не из великих моментов истории, религия или мифология.Шарден нарисовал натюрморты, домашние сцены и портреты обычных людей, и тем самым помогли двигаться Французское искусство в новом направлении, которое должно было вдохновить многих французских художников уже более века. И Мане, и Сезанн признали влияние Шардена на собственное искусство.
Но пока французский искусство вместе с Шарденом перешло на новую территорию, неподвластную влиянию барокко другие художники следовали за Ватто; в первую очередь среди это был этот родившийся в Париже художник Франсуа Буше (1703-1770), который даже в свое время был признан мастером искусства рококо.
Будучи плодовитым художником, Баучер был одновременно живописцем и гравером. Что ж как дизайнер гобеленов. После того, как был принят во Французский Королевский Академии в 1731 году он был очень востребован как портретист, и получил многочисленные заказы от королевских и аристократических покровителей, большинство особенно от мадам де Помпадур, которой он написал ряд из портреты.
Буше нарисовал в менее нежном стиле чем Ватто, и его работы гораздо более тематически разнообразны. Он нарисованные жанровые сцены, портреты, религиозные полотна, классические сюжеты и даже шинуазри, привнося во французское искусство новую чувственность это чем-то обязано и Рубенсу, и Тьеполо.Пока его портреты мадам де Помпадур, любимой любовницы Людовика XV, полностью одетый, Буше преуспел в обнаженных телах, которые по-разному изображали как Венеру, Диана или другие мифологические красавицы.
Его смелое использование цвет — гораздо менее сдержанный, чем у Ватто — был источником вдохновения для многих молодые художники, но не понравился первому великому французскому искусствоведу, Дидро, написавший об одной из своих картин, выставленных в Салоне 1763 года: «Этот человек — развалины всех молодых начинающих художников. Вряд ли они умеют держать кисть и палитру, чем мучают сами с гирляндами детей, раскрашивая толстые киноварь задницы и бросаются на всякие излишества которые не компенсируются ни теплотой, ни оригинальностью, ни по доброте или магии своей модели: они просто подражают его ошибки.«
В то время как Дидро критиковал Буше частично на по моральным соображениям, он был в восторге от другого молодого художника, Жан-Батиста Грёза (1725 г. — 1805). Грёз стал популярным жанровым художником в манера Шардена, специализирующаяся на сентиментальных портретах и ​​сценах с моралью, которая хорошо подходила Дидро и хорошо понимала в соответствии с духом времени.
Грёза морализаторские сцены с их стилизованными позами и классическими движениями, также являются прообразом великих героических произведений подрастающего и грядущего поколения неоклассиков, особенно Дэвида и Жерара, которые восприняли морализаторство искусство на новый уровень, вне интимности семейной сцены и небольшого жанровой живописи, и на обширные полотна Имперской эпохи, которая была скоро рассвет
Однако к 1770-м годам Грёз пал. ушел с Академией и стал чем-то вроде независимого художника и гравер, популярный в народе, уже не в заведении — популярность, которая, несомненно, помогла ему пережить французское Революция невредима.

Классика позднего рококо: Качели, Фрагонар — 1767.
Лондон — коллекция Уоллеса И вот, наконец, последний великий художник дореволюционный эпохи, и последний великий представитель искусства французского рококо, Оноре Фрагонар (1732–1806). После непродолжительного обучения у Шардена Фрагонар продолжил обучение. работать в студии Буше, с которым он чувствовал сочувствие — до такой степени, что Баучер позволил ему копировать собственное работает.
После периода, когда он работал по существу на исторических картинах, интерпретированных с легкостью его рококо прикосновения, Фрагонар позже стал известен — и сегодня запомнился — как художник легкомыслия, рисующий сцены из аристократия на отдыхе в идеализированных садах или парках, или дома со своими детьми.Таким образом, он пользовался большим спросом до тех пор, пока аристократия продолжала вести свой привилегированный образ жизни; но это было не надолго.
К 1785 году рококо как жанр распространился своим ходом, и просвещенная Франция шла к драматическим событиям. 1789 года, что окажет глубокое влияние не только на то, как организовано, но почти все о французской жизни и культура тоже. В то время как революционная Франция найдет место для исторического искусства, для некоторых форм жанрового искусства и для искусства с моралью это не имело бы место для легкомыслия рококо, так тесно связанного с образ жизни и вкусы древнего режима.И хотя Fragonard человек пережил революцию, а художник Фрагонар — нет.